tierra adentro I (serie: tierra adentro), 2012

acrílicos s/tela 114 x 114 cm.

Los paseos

Los paseos
(serie: autorretratos)

año 2012, acrílicos s/papel 43 x 31,5 cm

Sereno

Sereno
(serie: autorretratos)

año 2012, acrílicos s/papel 43 x 31,5 cm

Primaveral

Primaveral
Año 1991. Acrílicos y óleo metalizado s/papel. 23,5 x 18,5 cm.

colección particular G.G.V. Barcelona.

Niebla

Niebla
Año 1991. Acrílicos y óleo metalizado s/papel. 23,5 x 18,5 cm.

en colección particular G.G.V. de Barcelona

Diáfano

Diáfano
Año 1991. Acrílicos y óleo metalizado s/papel. 23,5 x 18,5 cm.

en colección particular G.G.V. de Barcelona

Altos

Altos
Año 1991. Acrílicos y óleo metalizado s/papel. 23,5 x 18,5 cm.

en colección G.G.V. de Barcelona

Invernal

Invernal
Año 1991. Acrílicos y óleo metalizado s/papel. 23,5 x 18,5 cm.

6 dibujos para poemario de Eduardo Estévez

En el año 1996, por invitación del poeta Xavier Seoane, realicé seis dibujos (acrílicos s/papel, 46 x 33 cm) para ilustrar el poemario "Só páxaros saíron desta boca" del poeta Eduardo Estévez (Buenos Aires, 1969).

Amando visto por Rai

Amando (18 de mayo de 2012 en Fac Peregrina)

fotografía: Rai Iglesias

Una lectura furiosa (40 años pintando) en FAC PEREGRINA

el viernes, 18 de mayo, en FAC PEREGRINA, exposición de AMANDO: Una lectura furiosa (40 años pintando)

Lejos

Lejos

año 1992, acrílicos y silicio s/tela 73 x 73 cm

colección part. G.G.V.  (Barcelona)

19 de abril de 2012, II

19 de abril de 2012, II
(serie: Como como)

año 2012, apunte fotográfico

Cumbres

Cumbre
Año 1991. Acrílicos y óleo metalizado s/papel. 23,5 x 18,5 cm.

colección particular: J.C. (Montbéliard - Franche Comté)

Cumbre

Cumbre
Año 1991. Acrílicos y óleo metalizado s/papel. 23,5 x 18,5 cm.

colección particular: J.C. (Montbéliard - Franche Comté)

De los paseos por las vidas (dobles) II

De los paseos por las vidas (dobles) II, 2012
apunte fotográfico, impresión digital s/papel de 42 x 29,7 cm
(copia única)

colección particular M.C.F. Vigo

Superficiel

Memoria, 1997. Acrílicos sobre tela. 50 x 50 cm.
colección particular. Gotemburgo, Suecia.

(Traduit de l’espagnol par Joséphine Coll)

                   Paysages d’incertitudes. Cartographies de la nuit. Le firmament semblable aux déserts inversés. Sentiers trébuchant d’étoile en étoile. Jardin arrière des rêves abandonné dans le lieu des solitudes premières. Promenades à travers la mémoire: lacustre architecture du désir, saturée d’abîmes bleu-noir que nous pouvons seulement franchir addossés dans l’obscurité. Routes infinies et possibles parmi des corps célestes qui brûlent qui brillent qui clignotent différemment du concept de distance: grande toile dépliée. Scènes illimitées aptes à recevoir des signes intériorisés toujours encore à clôturer: intentions de constructeur, de décorateur de firmaments.

                    Architectures de l’extérieur sans profondeur qui en permanence s’ouvrent en plis de temps en rides d’espaces pour soupeser les doutes, la possibilité autre. Paul Valéry nous dit: «… toute loi mécanique est, au fond, irrationnelle, expérimentale».

                   Relations inaugurales qui plient la physique classique et inaugurent de nouveau la sensibilité du poème toujours encore à écrire donnant forme au concept nouveau de matière traversée par l’incertitude de se savoir être. Être qui observe le bruit de la friction de l’infiniment petit, le presque rien: Vie. Ombre. Désir. Déambuler entre les fissures d’étranges concepts usés en essayant de conserver un équilibre nervuré par le hasard. C’est le centre multiple, c’est l’horizon sans nombre qui construisent le grand habitat qui nous déprotège de nous-mêmes en nous ouvrant constamment à ce que nous sommes: des questionneurs de corps qui forment un univers. Des êtres emplis de désir qui contemplent la respiration de la mer, de la montagne. D’étoile en étoile, parce qu’ils sont point de lumière qui tisse l’obscurité dépourvue d’épaisseur par une surface de plénitude. L’existence résonne parce que s’effleurent les surfaces au devenir nomade d’un territoire mince à n’en plus pouvoir. L’obscurité accueille de fantastiques constellations de désir forgeant des polygones aux arêtes invisibles qui accentuent les seuls points d’intersection à l’aide de petites lueurs scintillantes. Parcourir ces arêtes, ces zones d’ombre, c’est peindre  les rêves qui élaborent la carte intérieure du questionneur des nuits étoilées.

                  Marques d’absence, points de solitude qui s’ouvrent vers de nouveaux parcours munis du plus léger mais très complet paquetage. Energie désespérée qui apparaît depuis le silence le plus profond; ce lieu unique où germent les images qui erreront dans la minceur de la nuit pour décorer l’incertitude d’un moment de plénitude. Image construite à partir des ombres de l’absence, avec des fils de désir, tendue sur la peau légèrement colorée par la lumière d’un corps céleste qui s’adosse dans l’herbe qui pousse sur le bord du chemin aux innombrables promenades nocturnes. Des architectures ouvertes au devenir offrent des points d’observation à l’image qui se déprend tremblante de la carapace première: le désir. C’est le lieu du tableau qui se présente pendant que l’on interroge les ombres peuplées de points de rouille, lorsque respire l’univers accompagnant le rythme du peintre. Frictions refroidies par le courant d’ombres qui perdurent dans les plis des multiples regards vers le même point non localisable. Etonnante diversité de ces mêmes lieux proches débordant de silences sensuels. Jeux de légères lumières qui sont là mais ne s’offrent qu’en accumulant arrêt, répétition apparente. Des ressemblances rendant évidentes des routes hasardeuses qui se croisent rarement dessinant ainsi quelques intersections. Devenirs. Multiplicités auxquelles on assiste sans voix qui nommerait le toujours singulier parcours du retour. L’originalité dans la répétition désintéressée. Interroger la nuit étoilée, construire sur le plat de la toile des réponses tremblantes qui sont toujours un début. Hofmannsthal: «Il faut cacher la profondeur. Où? Sur la surface». Des ocres. Géographies de poétique préverbale. Action de toucher: approcher l’attraction. L’acte libère de l’énergie. Sueur. Trace. Tache. Cicatrice. Touchés par l’extérieur. Géographies. S’inscrire dans les interstices du passé en le ré-ouvrant. Arrêter. Penser c’est affronter, prendre en compte le différent. Lignes erratiques de la matière qui s’ouvre lors de la pensée. La matière qui palpite. Ainsi les rencontres.

                    Constructions. Dans Zone, Lyotard dit: «Il faut pénétrer dans la ville par les faubourgs. Le phrasé des faubourgs est le lamento: nous n’habitons plus nulle part, ni dedans ni dehors. La plainte de l’être orphelin résonnait déjà dans les quartiers de la ville classique avec Villon». Le magnétisme qu’exerce la dessinité du milieu occupé avec exubérance: les herbes et les buissons, le sentier aux bords imprécis, les minces murs évidés aux petites pierres érodées par la nature elle-même et couvertes de lichens. Le sentier et le mur sont nature construite de même que le tapis de fougères qui les délimitent. Ce qui naît et ce qui se fait ne se différencient pas dans leur présence propre. La matière est un désordre plus ou moins dense troué pour permettre le mouvement réactif, et l’énergie qui l’habite la fait agir: la matière en tant qu’activité spontanée. L’homme est nature et ce qu’il fait est toujours acte de nature. Si le vent édifie des tapis de feuilles mortes et si l’homme tisse le chanvre ces deux tapis son nature. La végétation menace la partie arrière de la maison avec une agressivité guère plus gênante que celle de l’ombre du pin sur le jeune châtaignier. Des mimosas tassés intercalés entre quelque pin ou chêne; les eucalyptus proches. L’imagination intensifie les différents points de vue sur le paysage. Le cognassier, l’oranger et le figuier. Le buis qui, si les fenêtres sont ouvertes, introduit ses branches dans la pièce. Le mélange d’odeurs intenses différenciant la prépondérance de l’une sur les autres en fonction du vent. Lors d’un après-midi lointain, R. Tagore disait à Einstein: «la vérité de l’univers est une vérité humaine».

                  Un lieu dans le lieu où être à l’intérieur du dehors. Etre dans l’être comme le milieu. Le regard, l’ouïe, l’olfaction, sentant ce qui pour être ne se divise pas: bruit susurrant du cosmos entropique. Et dans la nuit de nouvelle Lune la fascination devant ces points brillants éclairés juste le nécessaire pour se montrer, étoiles aux intensités différentes, élaborant de schématiques figures mythologiques difficilement identifiables. Sans noms propres. Sentir l’horizon si proche qu’il n’existe d’autre horizon que soi-même en tant que tout. Un magnifique désordre d’espace-temps que je transporte en tant que théâtre qui me définit dans mes peintures et mes constructions. L’habitat que je construis et qui me construit. Bois espacé dont les pleins et les vides s’agencent de façon également importante pour qu’en entrant nous sortions et qu’en sortant nous entrions: architecture réversible. Etreinte si large qu’elle nous entoure entièrement. Telle un squelette de l’extérieur. La fleur que je peins et celle qui pousse dans les interstices de la forêt sont la nature agie par différents agents. Le résultat du travail de l’homme est nature, tout au plus fossilisée. Et dans le fossile demeure sous-jacente et ensommeillée une possibilité d’énergie. Il existe des utilisations disons téméraires. La galerne ne tapisse pas de feuilles sèches, elle écarte ce qu’elle charrie, elle fabrique à l’aide d’arbres brisés une ville habitée aussitôt par des êtres qui abandonnent les endroits dépouillés. Avec les résidus des carrières ont été construites toutes les pyramides, ne sont-elles pas naturelles? Des manières différentes d’accumuler en laissant des vides pour habiter dans l’ombre qu’ils fournissent. La pensée établit des points de connexion: elle identifie, elle interroge. Walter Benjamin: «Je n’ai rien à dire mais je dois montrer». Lorsque celui qui modifie le milieu est l’homme, en quoi ses actes sont différents de ceux du volcan, du ruisseau ou du bourdon? Dans la capacité de pactiser avec l’autre, également humain qui nous fait face, dans le sol lui-même qui doit être réparti, un équilibre toujours précaire car il n’est seulement qu’un agent de plus de la nature (le volcan lors de son éruption roule des pierres et du feu: il élabore d’autres ordres exubérants). La capacité de pactiser est ce qui rend la violence moins bruyante, qui la transforme en un chuchotement facile à incorporer à la sensation. Intensité de mouvement, agitation, vitesse. Le pacte a besoin de concepts partagés, lisibles, mais ceux-ci doivent inclure d’une certaine manière la poétique de l’être hasardeux, de l’habitat sujet aux inclémences du milieu: la complexité qui implique une connaissance chaque fois plus grande. Mais la mise en scène actuelle est douloureuse et en aucun cas susurrante. Nous possédons un outillage meilleur mais avons consacré peu d’effort pour actualiser  les pactes qui lubrifient le continuel et nécessaire frôlement, car c’est seulement ainsi qu’existe la vie, la friction. Les technologies sophistiquées nous apportent vitesse et rendent confus, pour l’instant, le paysage; il ya lieu d’inventer d’autres software. Ainsi la ville sera comme le jardin, sur la façade arrière, peu soigné, qui nous relate quelques contes que l’on nous narra merveilleusement lors de notre enfance. La ville, l’espace-temps qui nous convient, est tout aussi nature que le bois que nous avons élagué pour pouvoir la construire et c’est en elle que nous devons nous déplacer. Dans le désert fleurissent aussi d’autres roses que nous mettons précautionneusement sur nos bahuts.

                   Cosmos d’une plénitude trop vaste et croissante qui à la moindre velléité  d’obscurité dans les marges de notre ville civilisée, nous surprend toujours par ses lumignons innombrables, minuscules et dispersés. Le ciel de la nuit empli de constellations en tension. Distances fécondes de signes à dessiner. Etoiles aux énergies fortuites et mystiques sur une bande d’horizon qui s’insinue. Légèreté ici de lointaines densités de lumière. Regarder vers le haut un peu plus loin. Orbites d’absence. Erratiques hasards d’énergie s’épanchant en un bleu terrible. Espace cosmique lourd de notre impalpable rêverie de transhumants. Temps. Espace. Les limites voyagent avec nous, avec notre point de mire inquiet. Des êtres qui se transportent. L’horizon garde toujours une prudente distance avec son observateur. Et lorsque la contemplation s’arrête, toujours inaugurale, agir sur la toile liquidement sans effrayer le devenir: don de l’instant.

                  Projeter l’orbite asphyxiante du bras-main, —«patte antérieure déterritorialisée»—. Le tableau territoire, en tant qu’univers d’événements, de dessins-mot; Etiemble dit: «bien que les hommes naissent et meurent depuis un million d’années, ils n’écrivent que depuis six mille ans». Les voix multiples du dessin. Résonance orale des origines. Cosmogonie qui s’offre sans envers. Signes de la stupéfaction. Météorologies du hasard (il existe des systèmes complexes imprédictibles, comme le climat). Temps des grands icebergs: territoires dépecés. Connivences avec l’accident. Un tableau en tant que nuit étoilée. Une peinture en termes de manade. Se jeter sur la surface de la danse rituelle (Pollock travaillant en posture animalisée). Nous avons commencé il y a plus de vingt mille ans sur les toits et les murs de la zone la plus retirée de la grotte et nous ressentons encore l’intense nécessité de continuer. Ces énergies chaotiques que sont les étoiles en maraude de planètes poussiéreuses. Depuis l’intérieur de l’extérieur. Désert et firmament: délimiter des territoires à la cartographie profonde et tremblante, des champs d’arpentage disloqué et intime et, par cela même, cosmiques vibrations (super-cordes) de la tache qui l’habite déjà: le tableau accroché maintenant devant nos yeux. Rien que des ombres.

                  Et la mer, cette matière dans laquelle se baignaient nos ancêtres, et la montagne, tumulus funéraire (aucun peuple n’ignore l’endroit où reposent ses morts), lignes qui rêvent; matière différenciée par l’organisation de ses particules les plus petites. Mer et montagne plus que substance question de densité de la matière: eau et terre. La mer en tant que montagne d’eau. La montagne peuplée de buissons-arbres qui après les longues pluies, au loin offre un, seulement imaginé, toucher soyeux et aimable. Lorsque la façon de regarder est une sorte de touche. Elaguer ou la nécessité d’espacer: espaces libérés. La culture se trouve dans les espaces vides, dans les séparations entre mot et mot, dans les interruptions, les interstices: les lieux pour aller voir et résister. La suggestive intériorité de l’entrouvert. Entre les acacias vides pour à partir de l’habiter regarder un territoire lieu de l’événement. L’extérieur en tant qu’habitacle. Le regard qui unit. La ligne marque les limites pour, d’une façon provisoire, délimiter ce qui s’avère impossible; sur la plage, qu’est le rivage? Une bande oscillante et une zone contiguë où se cachent sable-eau-air et des résidus du naufrage: des étreintes, des entrelacs. Et sans trace. Le rivage n’est jamais une ligne, une succession de points l’un derrière l’autre (le point est un concept abstrait), c’est un territoire bande sur lequel on peut passer. Mer des regards inauguraux. Montagne mer, orographies ondulées du sec et de l’humide: déplacements rythmiques à des vitesses différentes.

                  Bruit cosmique de corps célestes qui entrent continûment en désordre. Les dunes et la Lune voyagent. L’âge de la Terre s’élève à moins de la moitié de celui de l’Univers, et en quarante millions d’années le paysage est devenu totalement méconnaissable. On raconte que Théophraste pensait que les poissons fossiles avaient remonté des rivières sous-terraines jusqu’à atteindre les sommets des montagnes. Matière s’ébattant lors d’après midis sans fin: pierre calcaire s’abrasant jusqu’à devenir marbre. Segments d’espace-temps: respiration entrecoupée sidérale. Sortir momentanément de la tanière, regarder en entrant à l’extérieur. Rouille d’énergie; fragment de temps de différente grandeur seulement. Imaginer le spectacle de l’univers s’ouvrant sur l’infini. Visiter le large habitat. L’esprit s’infiltrant dans la matière: la caverne de la nuit nous regarde. Le paysage nous regarde. L’arbre comme un ensemble binaire de buissons —systèmes qui tendent au désordre— avec vocation de profondeur communiqués par un mât. Branche-racine. Buisson: structures du délire. Les deux systèmes pénétrant la profondeur de l’air et de la terre. Recherches de la chaleur/lumière de l’étoile et du froid/obscurité de la planète. Arbre symétrie nivellement. Elaguer. Espaces dépouillés. Lieux pour un résister. Immersion du regard attentif dans l’horizon: prolifération d’effets mutants. Nous sommes déjà submergés dans le dehors. Excitation, vie provoquée par le Soleil, cette étoile à la bonne distance. Assis, dans le presque silence de la terrible agitation de la nature, face à la montagne singularisée par la roche qui comme un menhir duplique, se trouvant presque au sommet, sa cime, écouter les cosmiques copulations de la matière. La beauté paradoxale de l’irrégulier (la ligne droite ne se trouve que dans le regard). La foudre au cours de son rapide et éblouissant gauche parcours zigzague. Présence filante qui excite la mémoire construite au cours de l’enfance à chaque tombée de la nuit face à l’âtre —minuscule étoile domestique— et en haut des myriades de corps célestes. Constellations de l’acte de peindre. Dessinité de la rêverie. Nuit d’été.

                  Une pluie fine qui provient des toits de l’extérieur fait briller l’imagination. «L’art comme connaissance mystique du tout» dirait Italo Calvino. Peindre à force de sobriété pour s’emparer de la complexité de ce qui est multiple. De petits fagots de sarments gris pour lesquels ce qui est fortuit est le contact. Faisceau d’innombrables et petits vides. Termes d’incertitude. Topologie des images, orographie de la scène: le tableau. La peinture en tant qu’acte qui convoque des forces  sauvages et universelles en les impliquant. La notion de temps à côté de celle d’intensité. Espaces avec du temps. Entrer sortir, ne pas commencer ni finir: dans la fissure. Il n’y a pas de repos final. Interminable amortissement. Modifications vers le Big Crunch? Savoir se déplacer entre les choses —tasse, mot, chaleur, énergie—. Orthographier la mémoire nocturne. Corps célestes. Erosion. Poussière d’étoiles. La plage modifie son rivage contourné quatre fois par jour. Ecailler des strates à la recherche de la trace. Construire aussi avec les oublis pour que le vent nous peigne le paysage d’acacias farnésiens aux légères fleurs jaunes. Prononcer le mouvement. L’œuvre en tant que lieu en tension et minoritaire d’un processus sans fin. Inventaire terrain humide de la mémoire, brume brillante.  Des roches tapissées de cartes initiatiques confuses surgissent au milieu des prés. Chemin: champ d’intense frôlement du nomade. «L’homme avant de parler se déplaçait». Lindon dit: «personne ne remarque l’absence d’un inconnu». Juan de Yepes débuta ainsi son chant: «Que je connais bien la source qui jaillit et qui coule, / bien qu’il fasse nuit!». Quelqu’un a déjà dit: «debout au milieu de la nature il y a encore une figure solitaire imposante».

Amando, 1997   
publicado, en castellano, en el nº 3 de MICROFISURAS (diciembre, 1997)       

Dos flores nada más

Dos flores nada más

año 1995, acrílicos sobre tela 73 x 73 cm

colección particular A.C.T. Pontevedra

Ludum

Ludum
(serie: autorretratos)

año 2012, acrílicos s/tela, 73 x 73 cm

Momentos

Momentos (serie autorretratos), 2012


año 2012, acrílicos s/papel 43 x 31,5 cm
colección particular: A.L. - Vigo

bon jour

bon jour
(serie: autorretratos)

año 2012, acrílicos s/papel 43 x 31,5 cm

Primeras horas

Primeras horas
(serie: autorretratos)

año 2012; acrílicos sobre papel, 43 x 31,5 cm.

días de lluvia

días de lluvia
(serie: autorretratos)

año 2012; acrílicos sobre papel, 43 x 31,5 cm.

Atardecer

Atardecer
(serie: autorretratos)

año 2012; acrílicos sobre tela, 73 x 73 cm.

17 de febrero de 2012 (serie: Como como)

17 de febrero de 2012
(serie: Como como)

año 2012, apunte fotográfico

13 de febrero de 2012 (serie: Como como)

13 de febrero de 2012
(serie: Como como)

año 2012, apunte fotográfico

Los encuentros

Los encuentros
(serie: autorretratos)

año 2012; acrílicos sobre tela, 73 x 73 cm.

Nos queda...

Nos queda —¡que no es poco!—, tanto en el amor como en la política, cuando la una o el otro nos desatienden (¿no estará el amor siendo ya tan sólo política?), la facultad de decir: no.

3 de febrero de 2012

Aquellas tardes

Aquellas tardes
(serie: desde mi ventanal)

año 2010; acrílicos sobre tela, 73 x 73 cm.

24 de noviembre de 2011 (serie: Como como)

24 de noviembre de 2011 (serie: Como como)

año 2011, fotografía

14 de noviembre de 2011 (serie: Como como)

14 de noviembre de 2011 (serie: Como como)

año 2011, fotografía

Tus palabras

Tus palabras
(serie: autorretratos)

año 2011; acrílicos sobre tela, 73 x 73 cm.

Esas horas

Esas horas
(serie: autorretratos)

año 2011; acrílicos sobre tela, 73 x 73 cm.

Abismado

Abismado
(serie: autorretratos)

año 2011; acrílicos sobre tela, 73 x 73 cm.

Iluminado

Iluminado
(serie: autorretratos)

año 2011; acrílicos sobre tela, 73 x 73 cm.

Rostros del parque

Rostros del parque
(serie: desde mi ventanal)

año 2010; acrílicos sobre tela, 73 x 73 cm.

Las siestas

Las siestas
(serie: Autorretratos)

año 2011; acrílicos sobre tela, 73 x 73 cm.

Toxal II

Toxal II
año 2005, acrílicos sobre tela 114 x 114 cm.

"Arte e cidade" por Carlos L. Bernárdez

O xornal Faro de Vigo,  na páxina 5 do seu suplemento Faro da Cultura, recolle o artigo de Carlos L. Bernárdez Arte e cidade. Nos territorios de Amando. Cor e superficie.



 

ARTE E CIDADE. NOS TERRITORIOS DE AMANDO

Título: Mundo Amando

Artista: Amando

Cafetaría Cosmos, Marqués de Valladares, 17, Vigo

Até o 23 de xaneiro de 2012

            O pintor vigués Amando leva máis de medio ano desenvolvendo un singular proxecto expositivo, ligando a súa creación pictórica a locais achegados a seu territorio vital, no centro da cidade de Vigo.

            Neste espazo balizado, que poderiamos definir como “territorio Amando”, desenvólvese unha dupla tensión, por unha banda delimita o seu universo vital ao presentarnos a súa obra en locais situados en ámbitos achegados á vida do artista; e por outra, xorde dun desexo de amosar o seu labor fóra dos circuítos habituais de exposición, con doses de potencial vontade performativa.

            As tres mostras até agora presentadas: Cóctel Amando; Amando en frío e Mundo Amando no son de xeito ningún simples exposicións dunha serie de traballos, senón que se configuran como construcións singulares, nas que os diálogos cos espazos comerciais son fundamentais, uns locais moi diferentes entre si: un pub, unha xeadería e unha cafetaría. Nos diálogos que se establecen percibimos un tratamento de xénero, no sentido que este concepto adopta tradicionalmente na pintura, escollendo un tipo de obras que suscita conexións cos espazos, mesmo de carácter temático, pero sen caer nunca no simplemente decorativo.

            En  Cóctel Amando, a mostra realizada na coctelaría Uno está (Rúa Real), dominaban as obras coloristas, con moito de festivo e con ese trazo expresivo característico do seu traballo dos oitenta –aínda que tamén presentaba pinturas máis recentes-. A intensidade cromática destas obras, mantida no seu labor posterior, acababa por configurar un universo lúdico, no que a final, o que triunfaba era a pintura como opción estética e vital.

            Amando en frío, realizada o pasado verán na xeadaría Capri (Praza de Compostela) reafirmaba este camiño, acentuando aínda máis o expresivo da liña, coas cores intensas e as figuras remarcadas por liñas grosas, como nos cadros en que representa personaxes a comer xeados, que se non soubésemos que son creacións de moitos anos atrás semellarían realizadas ex profeso para esta mostra, non apenas pola temática senón pola frescura e rotundidade, plenamente actual, que conservan. Son pinturas que naceron dunha intensa percepción da realidade vital e xeográfica que rodeaba –e rodea- o artista. A captación do local na obra de Amando sempre foi moi importante, cun mundo plástico entre o expresionismo abstracto e a carga icónica. En pinturas como estas, a relación coa tradición establecíase por medio do diálogo mais sen sombra de academicismo, facíase de xeito asociativo no que un referente vital ou cultural funcionaba, agromaba, para construír, para dialogar, para interactuar dentro do cadro.

COR E SUPERFICIE

            En Mundo Amando, a proposta que arestora se pode contemplar na cafetaría Cosmos, a adecuación ao local adopta perfil máis austero, que nos sitúa nas procuras formais do artista nos últimos dez anos, preocupado por lenes ritmos e variacións mais mantendo a fidelidade profunda aos principios pictóricos dos oitenta e noventa

            Nos traballos presentados neste novo espazo utiliza unha linguaxe alicerzada na cor e na superficie, moitas veces cunha sutil alusión paisaxística, en que a beleza é procurada na pincelada requintada que xa o di todo sen maiores adornos. Este aspecto maniféstase con claridade nas obras realizadas no primeiro lustro da pasada década, en pinturas nas que a alusión figurativa, de carácter paisaxístico, semella converter a pintura nun tránsito entre o mundo consciente e o inconsciente, entre memoria e visibilidade.

            A chave deste tipo de obras está na combinación dun punto de partida de base pictórica que acaba por atinxir un carácter conceptual –unha sensación, un estado anímico, unha experiencia de comunicación co medio natural- para a partir de ambas crear un mundo baseado na estilización da luz e da cor. A dosificación deste xogo de elementos é o que permite a comunicación, o que fai que as obras funcionen como pintura, xa liberadas do peso da simple realidade; aspecto este de funcionaren como pintura, non tan frecuente como nunha primeira impresión non atenta puider semellar.

            Nas realizacións máis recentes, o camiño de Amando é un vieiro cara o mínimo no que a pincelada flúe para conseguir tránsitos cromáticos de superficies evocadoras. Desbótase o innecesario, ficando signos elementais do pictórico, cunha pincelada que transmite un efecto táctil, fuxindo do luído nas superficies.

Sen renunciar ao sensitivo, para o artista a obra semella un sistema de pensamento. Neste sentido, cómpre lembrar que é un creador moi interesado pola reflexión teórica. El foi fundador e editor da revista Microfisuras (1997-2002), subtitulada expresivamente “Cadernos de pensamento e creación”, unha iniciativa que sumaba ao enorme rigor e calidade a presenza de pensadores de primeira liña internacional.

           

Carlos L. Bernárdez

El Cosmos o la pintura en expansión. Mundo Amando, Vigo

Fuera del medio, al margen, hace frío, no todo está pintado del color que a uno le gustaría y la funcionalidad, con su propia fealdad o belleza, suele estar por encima de la estética más confortable; esa que soportamos bien porque no nos plantea demasiados problemas. Así es el Cosmos y el Mundo, Amando.

En Vigo, esa ciudad administrativa y laboralmente parada, la pintura se expande.

Ante la dificultad para acceder, de nuevo, a los circuitos artísticos de los que Amando formó parte desde el principio como artista plástico que inicia su andadura, ininterrumpida, en los años setenta junto al grupo de artistas que posteriormente constituyeron Atlántica (movimiento artístico en el que sin embargo, Amando, no estuvo incluido) ha decidido salir con la pintura a la calle; a los espacios privados abiertos al público en los que él hace vida común y en común.

 Rostro del paisaje, II 2009. Acrílicos sobre tela. 114 x 114 cm.

Comenzó por el Uno Está en la Calle Real en la que nació hace 60 años con Cóctel Amando como declaración de intenciones, siguió Amando en Frío, en la Heladería Capri de la Alameda a la que da el balcón de su estudio y orbita ahora en el Cosmos, en Marques de Valladares, en continua expansión con Mundo Amando.

Ocupar el espacio en el que uno habita con la forma en la que lo habita, esa es la propuesta de Amando, que ha optado, al final, por el camino del principio, el más radical y el menos amable, porque no es un pintor amable, Amando. Sus últimos cuadros, que tienen ya más de treinta años de profesión, en el bastidor, son duros y negros enrejados, cada vez más prietos. Ya sabemos: “La reja del lenguaje” (ese poema de Paul Celan y esa estructura básica que según Lacan nos dota de identidad, alejándonos para siempre y continuamente de lo real). Pero en todos ellos, en todo ese entramado y enrejado de pintura en el que Amando trata de autorretratarse, en esa visión y en esa historia, tan poco ventilada como lo está nuestra historia más reciente, permanece siempre encendido un resplandor verdecente sea del color que sea que pinte el verde Amando.

      CULTURE WORKERS